70년대 최고의 영화 32편

교구적 콘텐츠 제한이 전혀 없었지만 베트남 전쟁의 악몽에 시달리던 첫 10년 동안 영화는 1970년대에 완전히 바뀌었습니다. 하지만 그중에서 실제로 최고의 영화는 무엇일까요?

외국 영화 제작자들이 1960년대를 지배한 후, 자국 출신 할리우드 감독들이 이전보다 더 창의적인 통제권을 행사하는 ‘뉴 할리우드’의 새로운 움직임이 본격화되었습니다. 동시에 전 세계, 특히 미국은 날로 발전하는 텔레비전이 전하는 뉴스를 통해 판단하기에는 암울한 상황이었죠. 정치 스캔들, 부패한 행정부, 범죄 증가, 냉소주의가 팽배한 가운데 영화는 이와 비슷한 우울하거나 허무주의적인 분위기를 반영했습니다. 1969년 달 착륙의 기적조차도 영화 제작자들이 우주를 매우 무서운 장소로 만들면서 별에 대한 지속적인 경이로움을 불러일으키지 못했습니다.

약자인 스포츠 영웅, 악령, 외계인 방문객, 소림사 승려, 자경단, 살인 상어 등이 베트남 전쟁의 죄악과 냉전 긴장의 부활로 인해 여전히 혼란스러웠던 10년을 대변합니다. 하지만 이 불안한 시기에 어떤 영화가 관객들을 즐겁게 했을까요? 1970년대 최고의 영화 32편을 소개합니다.

32. 슬랩 샷 (1977)

(이미지 크레딧: 유니버설 픽처스)

이 영화는 폴 뉴먼이 여기서 뭐 하는 걸까? 시나리오 작가 낸시 다우드가 실제 오빠의 마이너리그 하키 팀이 매각되는 과정에서 영감을 받아 각본을 쓴 슬랩 샷은 고군분투하는 소도시 하키 팀이 새로 영입한 핸슨 형제가 팬들의 환호를 받으며 화려한 아이스 위에서의 난투극을 펼치면서 큰 활력을 얻는다는 내용의 유쾌한 폭동극입니다. 조지 로이 힐이 감독한 슬랩샷은 대부분의 컬트 스포츠 코미디보다 먼저 제작되었지만, 원시적인 분위기와 웃음을 자아내는 요소, 그리고 선수 겸 코치 루기 던롭 역의 오스카상 수상자 폴 뉴먼이 의외로 편안한 라커룸 베테랑이자 남들이 부러워할 만한 옷장을 가진 인물로 등장하여 모든 것을 능가하는 작품이죠.

31. 완다 (1970)

(이미지 크레디트: 바든 인터내셔널 필름)

독립 영화 제작의 획기적인 작품인 완다는 장래성 없는 한 여성이 은행 강도와 함께 일하게 되면서 벌어지는 이야기를 다룹니다. 작가이자 감독, 주연 배우인 바바라 로덴의 작품인 완다는 현대 사회의 틈새에 끼어든 여성에 대한 연민과 비극적 초상화로, 당시 로덴이 느꼈던 정처 없는 감정을 반영하고 있습니다. 로든은 몇 년 후 유방암 진단을 받고 1980년 세상을 떠났고, 완다는 로든의 유일한 감독 작품으로 남게 되었습니다. 하지만 로든은 단 한 편의 영화를 통해 여러 세대의 독립 예술가들에게 영향을 미쳤으며, 아이콘적인 영화의 기준을 영구적으로 정립했습니다.

30위: 내슈빌 (1975)

(이미지 출처: 파라마운트 픽처스)

로버트 알트먼의 대서사 뮤지컬 코미디 내슈빌에서는 1970년대 미국의 정치적, 사회학적 광대함이 컨트리 음악 산업의 축소판으로 압축된 일주일간의 정치 집회와 음악 축제가 펼쳐집니다. 이 영화는 데이빗 아킨, 네드 비티, 카렌 블랙, 셸리 듀발, 제프 골드블럼, 릴리 톰린 등 일일이 열거하기 힘들 정도로 많은 배우들이 출연하는 앙상블 캐스팅으로 유명합니다. 70년대 중반의 정치와 사회 역학 관계에 얽혀 있었지만, 알트만의 영화는 수십 년이 지난 지금도 여전히 섬뜩할 정도로 관련성이 높습니다.

29. 서스페리아 (1977)

(이미지 출처: 프로덕치오니 아틀라스 컨소르지오테)

지알로 호러의 거장 다리오 아르젠토의 1977년작 서스페리아는 모계사회와 여성 예술의 어두운 면을 다룬 이세계적인 작품입니다. 제시카 하퍼는 독일의 명문 아카데미로 전학 온 미국 발레리나 역을 맡았는데, 학교에 마녀들이 살고 있다는 사실을 알게 됩니다. 이 타락한 동화에서 아르젠토는 빨강, 파랑, 분홍색 팔레트가 소용돌이치며 마치 소환 의식을 치르는 것처럼 생생한 테크니컬러의 힘을 한껏 발휘합니다. 프로그레시브 록 밴드 고블린의 인상적인 음악이 만들어내는 불안한 분위기와 결합된 서스페리아는 잊을 수 없는 우아함과 섬뜩함을 선사합니다.

28위: 아메리칸 그래피티 (1973)

(이미지 출처: 유니버설 픽처스)

조지 루카스는 29살의 나이로 성장 영화 가 극장에서 개봉해 극찬을 받았을 때였습니다. 미래의 스타워즈 감독이 될 그가 1962년 10대 시절에 대한 아련한 향수를 드러냈을 때만 해도 그는 중년의 위기에 처해 있지 않았으며, 수프가 잔뜩 든 핫로드를 타고 시내를 누비며 모험을 떠났던 수많은 젊은이 중 한 명이었죠. 루카스의 이름은 이제 대규모 탈출 블록버스터의 대명사가 되었지만, 루카스의 캘리포니아 고향 모데스토에서 어느 여름 밤 로큰롤을 즐기는 십대들을 따라가는 그의 가장 현실적인 영화는 등장인물보다 나이가 많지 않은 사람의 눈을 통해 만들어진 반자전적 시대물로 여전히 생생하게 살아 숨 쉬는 느낌을 줍니다.

27. 록키 호러 픽처 쇼 (1975)

(이미지 출처: 20세기 스튜디오)

짐 샤먼이 감독하고 1973년 뮤지컬을 원작으로 한 이 공상 과학 및 B급 공포 영화에 대한 생생한 오마주는 개봉 당시 대부분 무시당했고, 악평에 시달리며 뉴욕에서 예정된 할로윈 세계 초연도 취소되었습니다. 1년이 지난 후에야 이 영화는 마침내 수많은 팬을 확보하고 심야 영화의 대명사로서 입지를 굳혔습니다. 수잔 서랜든과 배리 보스트윅이 미친 과학자(팀 커리가 잊을 수 없는 연기를 펼쳤습니다)의 섬뜩한 저택에 갇힌 젊은 커플로 출연합니다. 사악한 미학과 전염성 있는 음악이 어우러진 록키 호러 픽처 쇼는 타임 워프를 몇 번이고 반복해서 즐길 수 있는 영원한 초대장입니다.

26. 프렌치 커넥션 (1971)

(이미지 출처: 20세기 스튜디오)

역사상 가장 위대한 자동차 추격전 시퀀스 중 하나로 널리 알려진 윌리엄 프리드킨의 범죄 느와르는 실화를 바탕으로 한 영화로, 1970년대 초 뉴욕의 겨울철 지저분한 모습을 사실적으로 담아냈습니다. 뉴욕과 경치 좋은 프랑스를 오가며 펼쳐지는 프렌치 커넥션은 진 해크먼과 로이 샤이더가 연기한 두 명의 열혈 뉴욕 경찰 형사가 마약 조직을 수사하던 중 대규모 국제 범죄 조직을 밝혀내는 이야기를 담고 있습니다. 그 시대의 도덕적 타락을 상징하는 프렌치 커넥션은 오랜 시간이 지난 지금도 여전히 큰 반향을 일으키고 있습니다.

25위: 애니 홀 (1977)

(이미지 출처: 유나이티드 아티스트)

우디 앨런에 대한 존경심은 수년에 걸쳐 당연히 시들해졌지만, 애니 홀은 현대 로맨스에 대한 터무니없이 유쾌하고 깊은 사려 깊은 조사로 여전히 찬사를 받을 만합니다. 작가 겸 감독인 앨런이 직접 연기한 이 영화는 신경증적인 코미디언이 가장 최근의 여자친구인 애니 홀(다이앤 키튼)과의 관계가 깨진 이유를 추궁하는 내용을 담고 있습니다(충격적이죠?). 현실과 동떨어져 있고 주인공의 특이한 어린 시절과 다른 실패한 결혼 생활을 비선형적인 방식으로 보여주는 애니 홀은 대부분의 전통적인 롬콤과는 다른 해피엔딩으로 오랫동안 로맨틱 코미디의 왕으로 자리 잡았습니다.

24. 할로윈 (1978)

(이미지 크레디트: 트랜카스 인터내셔널 필름)

섬뜩한 흰색 캡틴 커크 가면을 쓴 살인마의 침을 뱉을 수 있는 거리에 있다는 것을 알기 위해서는 잊혀지지 않는 피아노 선율만 들으면 됩니다. 존 카펜터의 네 번째 영화인 할로윈은 슬래셔 장르의 기본이자 여전히 최고의 작품 중 하나입니다. 배우 제이미 리 커티스는 무적의 살인마이자 정신병원 탈출자인 마이클 마이어스(닉 캐슬, 토니 모란 분)에게 할로윈 밤에 폭력적인 스토킹을 당하는 평범한 여고생 로리 스트로드 역으로 명성을 얻었습니다. 할로윈은 수많은 속편에 영감을 주어 역사상 가장 수익성이 높은 공포 영화 프랜차이즈 중 하나가 되었지만, 오리지널 영화는 동네 곳곳에 숨어 있는 침묵의 트라우마에 대한 개별적인 예술 작품입니다.

23. 크레이머 대 크레이머 (1979)

(이미지 출처: 컬럼비아 픽처스)

1977년 에이버리 코먼의 소설을 원작으로 한 로버트 벤튼의 가슴 아픈 드라마로, 메릴 스트립과 더스틴 허프먼이 연기한 젊은 부부의 쓰라린 이혼을 통해 사회가 가족을 키우라는 부담스러운 기대를 사람들에게 강요하는 여러 가지 방식을 드러냅니다. 이 이야기에는 악당(일부 얼간이 변호사 제외)은 없고, 사랑은 우리가 실제로 원하고 필요로 하는 것에 미치지 못할 수 있다는 냉혹한 진실만 있습니다. 1979년 크레이머 대 크레이머는 현대 가족에 대한 사실적인 묘사로 관객들의 공감을 불러일으켰으며, 미국 질병통제예방센터의 데이터에 따르면 같은 해 이혼율은 22.8%로 사상 최고치를 기록했습니다.

22위: 슈퍼맨: 더 무비 (1978)

(이미지 출처: 워너 브라더스)

마고 키더, 진 해크먼과 함께 잘생긴 크리스토퍼 리브가 맨 오브 스틸 역을 맡은 이 영화에서 관객들은 남자가 하늘을 날 수 있다고 믿었습니다. 제리 시겔과 조 슈스터가 만든 DC 코믹스의 아이콘을 바탕으로 한 리처드 도너의 중요한 슈퍼히어로 영화이자 마블 시네마틱 유니버스의 표본인 이 영화는 만화책의 이야기를 스크린에서 실제 배우들과 함께 전달할 수 있다는 것을 증명했습니다. 베트남전, 워터게이트 스캔들, 냉전으로 인한 실존적 공포로 어지러운 환경 속에서 슈퍼맨: 더 무비는 관객들에게 권력을 가진 자도 진실과 정의를 위해 설 수 있다는 사실을 일깨워주었습니다. 그게 바로 미국의 방식이 아닐까요?

21. 엔터 더 드래곤 (1973)

(이미지 출처: 워너 브라더스 픽처스)

이소룡은 살아 있을 때보다 죽어서 더 큰 스타가 되었는데, 그 이유는 바로 매혹적인 영화 덕분이었습니다. 로버트 클루즈 감독이 연출한 이소룡의 유일한 할리우드 영화인 ‘엔터 더 드래곤’은 전설적인 이소룡이 초신성의 에너지로 빛을 발한 작품으로 가장 잘 기억되고 있습니다. 무술 마초의 걸작인 엔터 더 드래곤에서 이소룡은 영국군이 범죄 조직의 섬 요새를 조사하기 위해 고용한 소림사 승려 역을 맡았습니다. 영화 개봉 몇 달 전 이상한 상황에서 발생한 이소룡의 죽음은 비극이었지만, 그는 분명 더 많은 일을 할 수 있는 배우였습니다. 엔터 더 드래곤은 무엇을 할 수 있었는지 엿볼 수 있습니다.

20위: 토요일 밤의 열기 (1977)

(이미지 출처: 파라마운트 픽처스)

디스코만큼 1970년대를 정의하는 것도 없고, 존 배덤의 새터데이 나이트 피버만큼 디스코를 정의하는 영화도 없습니다. 괴물 같은 히트 사운드트랙과 히스테리적인 공작새처럼 흔들리는 젊은 존 트라볼타가 등장하는 새터데이 나이트 피버는 디스코텍의 어두운 구석을 들여다보는 데 주저하지 않는 감각의 공격입니다. 트라볼타는 주중에는 철물점에서 일하며 토요일 밤마다 자신이 가장 좋아하는 나이트클럽에서 왕처럼 지내는 19세 노동자 계급을 연기합니다. 영화의 모티브가 된 잡지 기사는 희극으로 밝혀졌지만, 는 디스코에 대한 미국인의 집착을 잊을 수 없는 순간으로 만들었습니다.

19. 세 번째 종류의 우연한 만남 (1977)

(이미지 출처: 소니 픽처스)

스티븐 스필버그의 지진 영화 ‘E.T.: 외계인’에 앞서 1977년에 개봉한 서사시 ‘제3의 종족과의 긴밀한 만남’이 있습니다. 인디애나의 한 전기 기술자(리처드 드레이퍼스)가 우연히 UFO와 조우한 후, 지구와 외계 사회의 첫 공식 만남의 맨 앞줄에 앉을 수 있는 기회를 얻게 됩니다. 이전이나 이후의 그 어떤 외계인 침공 영화보다 특히 장엄한 톤과 분위기로 눈부신 스펙터클을 선사한 은 성숙한 공상 과학으로 가득한 근미래의 선구자였습니다.

18위: 디어 헌터 (1978)

(이미지 출처: 유니버설 픽처스)

베트남전 직후, 할리우드의 대다수는 수많은 인명을 졸처럼 부린 미국 외교 정책의 처참한 실패에 대해 고민하기를 주저했습니다. 하지만 로버트 드 니로, 크리스토퍼 워켄, 메릴 스트립이 출연한 마이클 시미노의 은 베트남 전쟁의 끔찍한 국가 도덕의 침식을 직접적으로 다룬 최초의 영화이자 여전히 가장 주목할 만한 영화 중 하나였습니다. ‘디어 헌터’가 라스베이거스의 하층민을 배경으로 한 원작에서 어떻게 벗어나게 되었는지에 대한 설명은 다양하지만, 시미노의 영화는 베트남 참전으로 인해 삶이 완전히 바뀐 끈끈한 펜실베니아 친구들의 이야기를 흔들림 없이 담담하게 그려내고 있습니다. 이 영화의 중심인 러시안 룰렛 “게임”은 “전쟁에 대한 이념적 성명을 불필요하게 만드는” 무작위 폭력에 대한 “조직적인 상징”으로 위대한 비평가 로저 에버트(Roger Ebert)에 의해 해석되었습니다.

17. 스팅 (1973)

(이미지 출처: 유니버설 픽처스)

로버트 레드포드, 폴 뉴먼과 함께 에서 공동 작업을 한 지 몇 년 후, 조지 로이 힐 감독은 또 다른 영화적 명작인 에서 두 배우와 재회했습니다. 대공황을 배경으로 한 이 흠잡을 데 없이 스타일리시한 향수를 불러일으키는 범죄 케이퍼는 마피아 보스를 속이기 위해 팀을 이룬 두 도둑의 이야기를 다룹니다. 등장인물들의 놀라울 정도로 정교한 계획은 고급스러운 의상, 여유로운 래그타임 사운드트랙, 그리고 먼지가 쌓인 토요일 저녁 신문을 넘기는 느낌을 의도적으로 불러일으키는 전반적으로 차별화된 미적 디자인으로 더욱 돋보입니다. 레드포드와 뉴먼이 모든 실린더에서 발사하는 스팅은 당신을 바보처럼 놀리는 것이 너무 쉽습니다.

16위: 캐리 (1976)

(이미지 출처: 유나이티드 아티스트)

최고의 왕따 방지 캠페인은 브라이언 드 팔마 감독의 영원한 공포 고전인 캐리(Carrie)일 것입니다. 스티븐 킹의 강력한 데뷔 소설을 원작으로 한 캐리는 수줍고 괴롭힘을 당하는 10대 소녀(시시 스팍 분)가 초자연적인 힘을 개발하여 학교 전체에 복수를 하는 이야기로 유명합니다. 이 영화의 슬로우 모션으로 돼지 피가 쏟아지는 장면은 무한한 조롱을 받았지만, 캐리는 고등학교에 대한 악몽 같은 묘사와 운이 좋지 않은 많은 사람들에게 깊은 상처를 남길 만큼 충격적인 장면으로 여전히 잊혀지지 않고 있습니다.

캐리 £8.99앳 워터스톤스

15. 네트워크 (1976)

(이미지 크레딧: 유나이티드 아티스트)

지옥처럼 화가 나서 더 이상 참을 수 없는 사람에게는 네트워크가 있습니다. 미디어의 끝없는 선정주의의 지속 불가능성에 대한 사회적 논평의 중요한 작품인 시드니 루멧의 어둡고 코믹한 이 드라마는 존경받는 앵커 하워드 빌(피터 핀치)이 생방송에서 자살을 위협할 때까지 붕괴 직전의 TV 네트워크에 관한 이야기입니다. 시청률 상승에 따라 그의 광기가 더해지는 가운데, 네트워크는 독한 정보의 눈사태에 맞서 취향의 굳어짐을 탐구합니다. 네트워크는 케이블 뉴스와 소셜 미디어의 시대보다 훨씬 이전부터 존재했지만, 오랜 시간이 지난 지금까지도 그 핵심을 잃지 않고 있습니다.

14. 뻐꾸기 둥지 위로 날아간 새 (1975)

(이미지 출처: 유나이티드 아티스트)

잭 니콜슨과 루이스 플레처가 주연을 맡은 밀로 포먼의 는 오레건주의 정신병원을 배경으로 폭압적인 간호사 래치(플레처)의 학대에 시달리던 환자(니콜슨)가 그녀에 대항하는 동료 환자들의 반란을 이끄는 어두운 드라마입니다. 켄 케시의 1962년 소설을 원작으로 한 이 영화는 반순응의 은유로 유명한데, 로저 에버트는 2003년 재평가에서 이 영화가 정신 질환에 대한 해결책을 지나치게 단순화한다고 지적했지만, 에버트는 “이 영화는 광기에 관한 것이 아니기 때문에 그런 점이 중요하지 않다”고 말합니다. “이 영화는 폐쇄적인 시스템에서 자유로운 정신에 관한 이야기입니다.”

재미있는 점은 이 영화가 합법적으로 운영되는 정신병원인 오리건 주립병원에서 촬영되었다는 점입니다. 영화 제작자가 연구를 위해 실제 환자들의 그림자 역할을 할 수 있도록 장소와 배우들을 사용하도록 허락하는 대신 병원 환자들을 영화 제작진의 일원으로 참여시켜야 했습니다. 이 영화를 제작한 배우 마이클 더글라스는 2017년 가디언지에 기고한 글에서 “여러 부서에서 여러 명의 환자들이 일하게 되었다”며 “나중에야 그들 중 상당수가 범죄를 저지른 정신병자라는 사실을 알았다. 미술 부서에는 방화범도 있었다”고 말했습니다.

13. 솔라리스 (1972)

(이미지 출처: Mosfilm)

다른 영화가 너무 마음에 들지 않아서 그 영화에 대항하기 위해 자신만의 영화를 만들었다고 상상해 보세요. 러시아 영화감독 안드레이 타르코프스키는 스탠리 큐브릭의 2001: 스페이스 오디세이에 대한 반박으로 공상과학 영화 솔라리스(1961년 스타니슬라프 렘의 소설을 원작으로 함)를 만들었습니다. 가상의 행성 솔라리스를 도는 우주 정거장을 배경으로 한 심리학자(도나타스 베니오니스 분)가 정서적 위기를 겪고 있다고 보고한 승무원들을 심리 분석하는 임무를 띠고 파견됩니다. 큐브릭의 영화와 달리 타르코프스키의 솔라리스는 깔끔한 디자인이 아니라 낡고 낡은 미학으로 인간의 진정한 경험을 표현하는 것이 특징입니다. 타르코프스키는 미술 감독에게 “우주 정거장을 미래형 우주 유토피아가 아닌 고장 난 낡은 버스처럼 보이게 만들자”고 지시했습니다.

12. 더티 해리 (1971)

(이미지 출처: 워너 브라더스)

1968년 헤이즈 코드가 해체되면서 클린트 이스트우드는 1971년 더티 해리를 통해 .357 매그넘을 들고 등장했습니다. 돈 시겔 감독이 연출한 이 영화에서 이스트우드는 샌프란시스코의 비리 경찰 ‘더티’ 해리 캘러한 역을 맡았는데, 아이러니하게도 법을 지키려는 끈질긴 의지로 인해 법을 자주 어기게 되는 영화 속 최고의 안티히어로가 되었습니다. 더티 해리]는 프랜차이즈를 탄생시켰지만, 첫 번째 영화는 해리의 잘못된 정의감으로 인해 할리우드가 마침내 화면 속 폭력에 진정으로 빠져들게 된 우뚝 선 작품입니다. 이스트우드가 “운이 좋았나, 펑크?”라는 수사적 질문을 던지는 장면은 비도덕적인 시대의 악습을 상징적으로 보여줍니다.

11위: 록키 (1976)

(이미지 출처: 유나이티드 아티스트)

실베스터 스탤론은 배우로서 성공하기 위해 수년간 고군분투한 끝에 TV 엑스트라로 서서히 일을 쌓기 전까지 연기자의 길을 포기할 뻔했습니다. 그러던 중 록키와 함께 링 위에 오른 실베스터 스탤론은 그 후로 완전히 달라졌습니다. 존 G. 아빌드슨 감독의 감성적인 스포츠 드라마에서 스탤론은 헤비급 챔피언 아폴로 크리드(칼 웨더스)가 록키를 프로 시합에 출전시키면서 메인 이벤트에 투입되는 복서이자 채권추심원 록키 발보아 역을 맡았습니다. 감동적인 언더독 스포츠 드라마로 수많은 영화에 영감을 준 록키는 여전히 역대 최고의 스포츠 영화 중 하나로 손꼽히고 있습니다. 이 영화는 록키 3편에서 “호랑이의 눈”을 세상에 선사하며 프랜차이즈를 탄생시켰습니다.

10. 시계태엽 오렌지 (1971)

(이미지 출처: 워너 브라더스)

앤서니 버지스의 1962년 소설을 각색한 스탠리 큐브릭의 초현실적인 디스토피아 드라마는 역사상 가장 충격적인 영화 중 하나입니다. 섬뜩할 정도로 카리스마 넘치는 10대 갱단 두목(말콤 맥도웰 분)의 난동을 중심으로 한 큐브릭의 밀도 높은 영화는 청소년 비행, 약화된 사회적 결속력, 권위의 무력함의 극한을 묘사합니다. 끔찍한 화면 속 폭력은 영화가 말하고자 하는 바를 잘 전달하지만, 안타깝게도 오랫동안 이 영화의 의미를 이해하지 못한 사람들이 있었으며 이 영화는 실제 모방 범죄에 영감을 주었다는 논란을 불러일으켰습니다. 큐브릭의 고집으로 극장에서 상영이 중단되었지만, 시계태엽 오렌지는 미로의 좁은 통로를 통과하는 수많은 아이디어가 담긴 걸작으로 남아 있습니다.

시계태엽 오렌지 £6.39 아마존 £8.19 히트 £9.69 하이브 북스

9. 차이나타운 (1974)

(이미지 출처: 파라마운트 픽처스)

로만 폴란스키의 차이나타운은 “잊어버려, 제이크. 차이나타운이야”라는 마지막 대사로 정의할 수 있습니다. 1937년을 배경으로 한 여성(페이 더너웨이)이 사립탐정 제이크 기츠(잭 니콜슨)를 고용해 외도 혐의로 남편을 추적한다는 설정은 놀라울 정도로 단순합니다. 이 영화는 필름 느와르와 미스터리 장르의 관습을 사용하여 심리 드라마의 기능을 충실히 수행하면서 인간의 어두운 심연을 다층적으로 파헤칩니다. 차이나타운은 단순한 영화 속 장소가 아니라 혼돈, 악, 허무에 대한 은유이며, 사람이 할 수 있는 가장 도덕적이고 최선인 일은 아무것도 하지 않는 것입니다.

8. 아포칼립스 나우 (1979)

(이미지 출처: 유나이티드 아티스트)

프란시스 포드 코폴라는 ‘아포칼립스 나우’를 만들다 구슬을 잃을 뻔했습니다. 부풀려진 예산, 예정된 5개월을 훌쩍 넘긴 촬영 일정, 필리핀의 파괴적인 폭풍, 찰리 쉰의 심장마비 등 수많은 촬영 현장 문제로 스트레스를 받았던 코폴라 감독은 1991년 “조금씩 미쳐가고 있었다”고 인정했습니다.”그 고통이 그만한 가치가 있었는지 코폴라가 아닌 이상 말하기는 어렵지만, 1979년 개봉 후 수십 년이 지난 지금 는 메가 클래식이자 뉴 할리우드 대작의 보석으로 널리 인정받고 있습니다. 베트남 전쟁을 배경으로 한 이 영화는 부하들과 지역 주민들이 반신으로 숭배하는 불량 대령(말론 브란도)을 암살하는 임무를 비밀리에 맡은 군 대위(쉰)의 이야기를 다룹니다. 화려하고 대담한 아포칼립스 나우는 베트남 전쟁을 다룬 영화 중 단연 최고이지만, 지옥과 천국을 오간 사람이라면 누구나 공감할 수 있는 영화입니다.

7. 엑소시스트 (1973)

(이미지 출처: 워너 브라더스)

이 영화는 관객들에게 큰 공포를 안겨주어 입소문이 들불처럼 퍼져 최초의 바이럴 히트작이 된 영화입니다. 윌리엄 프리드킨이 감독하고 윌리엄 피터 블래티의 소설을 각색한 이 영화는 신앙의 위기를 겪고 있는 신부(제이슨 밀러)가 교회로부터 어린 소녀(린다 블레어)의 악령 빙의 사건을 조사하라는 임무를 맡게 되면서 벌어지는 이야기를 담고 있습니다. 블록버스터의 판도를 바꾼 는 호러 장르를 주류로 만들었을 뿐만 아니라 호러가 분장과 괴물 그 이상의 것을 할 수 있다는 것을 증명하며 호러 장르를 존경받는 장르로 만들었습니다. 이 영화는 자기 의심의 악에 맞선다는 것이 무엇을 의미하는지에 대한 무서운 영화입니다. 몇 가지 상식: 이 영화는 코믹하게도 크리스마스 다음 날인 12월 26일에 개봉할 예정이었습니다. 프리드킨은 다른 날짜를 원했지만, 영화사학자 사라 크라우더는 약간의 논란을 불러일으키기 위해 일부러 이 날짜를 선택했다고 주장합니다.

6. 모든 대통령의 남자들 (1976)

(이미지 출처: 워너 브라더스)

1972년 6월 17일, 워싱턴 D.C.의 민주당 전국위원회 본부에서는 워싱턴 포스트의 저널리스트 칼 번스타인과 밥 우드워드가 책으로 엮어낸 워터게이트 스캔들이 일어났습니다. 4년 후, 번스타인과 우드워드의 조사는 10년을 대표하는 영화 중 하나인 앨런 J. 파쿨라 감독의 으로 만들어졌습니다. 무자비하게 비뚤어진 통치 하에서 독창성과 고결한 원칙을 옹호하는 영화인 올 더 프레지던츠 맨은 껌딱지 저널리즘의 고집스러운 집요함에 대한 화려하지 않은 시각으로 흥미를 끌었습니다. 기자는 닫힌 문, 무시당하는 전화, 익명의 비밀스러운 대화로 가득한 직업입니다. 그럼에도 불구하고 파쿨라의 영화는 아무도 그 일을 할 수 없는 상황에서 진실을 추구하는 두 남자의 이야기를 흥미진진하게 그려냅니다.

5. 에일리언 (1979)

(이미지 크레딧: 20세기 스튜디오)

리들리 스콧의 기념비적인 SF 공포 영화는 시고니 위버와 존 허트를 스타로 만들었을 뿐만 아니라 앞으로 나올 모든 하이브리드 장르의 언어와 미학을 형성한 작품입니다. 우주 여행이 보편화된 먼 미래를 배경으로, 상업용 예인선 노스트로모의 7명의 승무원은 구조 요청을 받고 잠에서 깨어나게 됩니다. 버려진 외계 우주선을 조사하고 돌아온 모험가들은 자신도 모르게 외계 생명체를 데려오게 되고, 이 생명체는 산을 뿜어내는 위협적인 존재로 빠르게 성장하여 모두를 위협합니다. “우주에서는 아무도 당신의 비명을 들을 수 없다”라는 상징적인 카피와 함께 에일리언은 두 가지 유서 깊은 장르에 새롭고 무시무시한 얼굴을 단숨에 선사했습니다.

4. 택시 드라이버 (1976)

(이미지 출처: 컬럼비아 픽처스)

마틴 스콜세지 감독이 꿈처럼 느껴지도록 의도한 택시 드라이버는 열병에 걸린 환각에 가까운 영화로, 부패한 뉴욕시를 혼자서 정화하려는 한 남자의 미션을 그린 심리 스릴러입니다. 로버트 드니로가 베트남전 참전 용사이자 야간 택시 운전사인 트래비스 비클 역을 맡은 택시 드라이버는 극단적인 남성성과 위대함에 대한 망상으로 자신의 단점을 과도하게 보상하는 불안정한 남자의 뇌를 들여다보는 듯한 느낌을 줍니다. 1976년 개봉한 지 수십 년이 지난 지금, 적어도 한 건의 대통령 암살 시도에 영감을 준 스콜세지 감독의 논란의 여지가 있는 이 영화는 여전히 놀라울 정도로 관련성이 높습니다.

3. 대부 (1972)

(이미지 출처: 파라마운트 픽처스)

프란시스 포드 코폴라가 대부만 만들었어도 그는 여전히 존경받는 영화 예술가가 되었을 것입니다. 가상의 이탈리아 마피아 왕조를 다룬 마리오 푸조의 1969년 베스트셀러를 원작으로 한 코폴라의 불후의 명작에는 알 파치노와 말론 브란도(제임스 칸, 로버트 듀발, 다이앤 키튼)가 콜레오네 범죄 조직의 우두머리로 출연했습니다. 1945년부터 1955년 사이를 배경으로 한 코폴라 감독의 이 거대한 서사시에서는 마이클 콜레오네(파치노)가 가족의 사업을 생각조차 하지 않던 막내아들에서 아버지의 뒤를 잇는 인물로 성장하는 모습을 볼 수 있습니다. 진정한 미국 고전인 대부는 전후 미국 이탈리아 마피아의 분위기 있는 세계를 포착하는 동시에 가족 간의 역학 관계를 드라마틱하게 연구한 역대 최고의 영화 중 하나입니다.

대부 £6.63, 아마존

2. 스타워즈 (1977)

(이미지 출처: 20세기 스튜디오)

이 영화는 세계에서 가장 수익성이 높고 가장 유명한 미디어 프랜차이즈 중 하나를 탄생시켰습니다. 그러나 실제로는 그렇지 않더라도, 1977년 조지 루카스의 영화 스타워즈(이후 스타워즈: 에피소드 4 – 새로운 희망으로 제목이 변경됨)는 순수한 상상력이 빚어낸 예술적 성취물입니다. 루카스 자신이 플래시 고든 영화를 만들지 못한 데서 비롯된 스타워즈는 무엇보다도 진보적 이상으로 무장한 약자가 우월한 세력을 상대로 승리를 쟁취하는 고전적인 선과 악의 이야기입니다. 마크 해밀, 해리슨 포드, 캐리 피셔, 알렉 기네스, 그리고 제임스 얼 존스의 위풍당당한 목소리가 저 멀리 은하계에서 펼쳐지는 궁극의 탈출 모험을 가득 채웁니다.

스타 워즈 £9.95앳 아마존£12.98앳 아마존£13.60앳 아마존

1. 죠스 (1975)

(이미지 출처: 유니버설 픽처스)

여름이라고 해서 심연의 어둠을 두려워해서는 안 된다는 뜻은 아닙니다. 스티븐 스필버그의 괴수 공포 영화의 결정판인 죠스에서는 경치 좋은 해변 마을이 마치 계산된 연쇄 살인마처럼 시체 수를 늘려가는 굶주린 백상아리에 의해 공포에 휩싸입니다. 할리우드 최초의 진정한 블록버스터 중 하나인 이 영화에서 스필버그는 상어에 대한 기술적 문제를 영리하게 극복하여 끊임없이 예측할 수 없는 공포의 분위기를 조성했는데, 괴물이 언제 어디서 나타날지 모른다면 그보다 더 무서운 것은 없습니다. 1970년대 영화 중 역대 최고의 영화와 비슷한 평가를 받을 만한 작품이 더 많지만, 이 중 단 한 편만이 더 큰 배를 요구할 만큼 가치가 있습니다.

죠스8.1/10넷플릭스에서 보기 £6.39아마존에서 보기 £9.69하이브 북스에서 보기